Филадельфийский музей искусств - [19]
Уинслоу Хомер — американский живописец и график, один из лидеров национального искусства XIX века, мастер романтического жанра.
У художника есть, по крайней мере, две картины, изображающие охотника с собаками. На филадельфийской мужчина несет на себе тушу убитого оленя, а в руках его рога. Рядом собаки в большом возбуждении. На полотне из Национальной галереи искусства в Вашингтоне охотник (кажется, тот же юноша) плывет в лодке по реке, удерживая за рога свою добычу (опять же оленя), а его гончая — рядом. В обеих картинах художник ярко передает триумф человека, победившего животное.
Пафос творчества Уинслоу — гимн труду. В этой работе он выражен во всей композиции: человек изображен в центре холста в момент восхождения, что символизирует не просто подъем по холмистой местности, но и душевный и физический. Темпераментная романтика образов мастера переходит в символизм, в котором природные стихии получают равные с человеком драматические права.
Клод Моне — крупнейший представитель французского импрессионизма, основатель и теоретик этого направления, сохранивший ему верность до конца жизни. Идея Моне передавать нюансы освещения в различное время суток отразилась в многократном воспроизведении им одного и того же мотива в различных состояниях (серии «Руанский собор», «Стога сена», «Кувшинки», «Мост Чаринг Кросс» и другие).
Летом и осенью 1891 Моне создал серию картин (всего около 20), изображающих тополя на берегу реки Эпт, неподалеку от того места, где он сам жил и имел студию. Ему очень нравился этот вид. Деревья стоят на излучине реки, и живописец на лодке доплывал сюда от своего дома. Еще в 1887 он написал тополя (тоже три) на полотне, ныне хранящемся в Государственной галерее в Штутгарте. На произведениях лежит явственная печать стиля и мастерства Моне.
О значении, которое имели для Моне эти деревья и холсты, свидетельствует такой факт: тополиная роща принадлежала, как свидетельствуют Эндрю Форг и Роберт Гордон в своей монографии о художнике (1989), коммуне Лимец и была выставлена на продажу, когда он еще не успел закончить свою серию. Чтобы осуществить задуманное, мастер выкупил ее, а после продал купцу-лесопромышленнику, также претендовавшему на нее. Естественно, от рощи ничего не осталось, эти тополя сохранились только на картинах Моне.
Широко известно, что Поль Сезанн по многу раз писал один и тот же сюжет, одну и ту же модель. Например, только автопортретов у него 35, а жену Гортензию мастер запечатлел не менее 40 раз. Чтобы как-то идентифицировать эти изображения, их называют по характерным деталям (помимо указания места хранения), например «Мадам Сезанн в желтом кресле», как это сделано для картины в Чикагском художественном музее (см. том № 23, с. 72). Существуют портреты супруги живописца «в красном кресле», «в зеленой шляпе», «с распущенными волосами», «в голубом», «в полосатой юбке» и другие; но даже подобное уточнение не всегда гарантирует полную идентификацию. Филадельфийская картина может иметь уточнение: «в полосатом платье».
Целью портрета во все времена и у всех художников было дать представление о личности модели, ее душевном состоянии. Зритель знает, что брак Сезанна был трудным. В начале совместной жизни с женой ему пришлось таить от отца, от которого он весьма зависел в финансовом отношении, что тот стал дедом. Когда родитель узнал о произошедшем, живописец был унижен его жестоким выговором; это не могло не отразиться на отношениях супругов. Впоследствии Сезанн часто уезжал, что было вызвано не только его творческими потребностями, но и все чаще возникавшим желанием побыть в отдалении от Гортензии.
Данный ее портрет, как и другие, безжалостно обнаруживает всю сложность семейных отношений: героиня отвела взгляд (они с мужем теперь совершенно чужие). Во всем облике женщины чувствуется душевная усталость. Тона картины тоже унылые, если не сказать сумрачные.
Поль Сезанн — французский живописец, один из крупнейших представителей постимпрессионизма.
Тема «Купальщиц» и «Купальщиков» занимала его на протяжении многих лет, а в особенности в последние годы жизни. Символично, что относящаяся к последним фотография престарелого мастера (1904) сделана таким образом, что фоном является картина из числа носящих это название. Помимо множества эскизов и этюдов известны три основные «Большие купальщицы» (под определением «большие» подразумеваются размеры полотен) — из Филадельфийского музея искусств, из собрания лондонской Национальной галереи и принадлежащая Фонду Барнса в Марионе (США).
Очевидно, нужен некий особый, истинно философский взгляд на искусство, красоту и, конкретно, творчество Сезанна, чтобы оценить эти работы. Такую попытку сделал, в частности, А. Перрюшо, биограф художника: «В „Купальщиках“ и „Купальщицах“ Сезанна увлекают пластика обнаженных фигур, контрапункты и согласования их объемов и движений. Подчиняясь силам притяжения и отталкивания, человеческие тела удлиняются или деформируются, так как вся суть в их компоновке в одно целое, а отнюдь не в анатомической правильности пропорций. В прошлом сцены с изображением обнаженных на фоне природы имели идиллическую трактовку, в них вкладывалась мечта об утраченном земном рае, первозданной гармонии природы и человека. Сезанн переводит идею прекрасного мифа в поле реализации своих наблюдений природы и опыта, извлеченного из классического искусства. Дух его волнуется, ощущая себя проводником созидательных сил, пришедших благодаря многолетнему самоотреченному служению живописи. До конца жизни он считает незаконченной свою работу над „Купальщицами“, так как колеблется все время чаша весов между верностью природе, которая была его кредо, и открывшимися благодаря его собственным художественным достижениям возможностями живописи существовать по своим законам, независимым от натуры».
