Государственный музей искусств Копенгаген - [17]
На холсте изображена Артемида в сопровождении своих прекрасных спутниц. И вот зритель уже сталкивается с первой, так и не разрешенной до конца загадкой. В классической версии мифа богиню женского целомудрия сопровождают юные девушки. Датский художник написал то ли андрогинов (людей, обладающих признаками обоих полов), то ли бесполых существ. В разных оккультных практиках и мистических откровениях зыбкая граница между полами имела очень важное значение, она олицетворяла способность человека к объединению в своей душе противоположностей (в частности, мужского и женского начал). Обнаженность свидетельствует о золотом веке человечества или о его состоянии до грехопадения, когда люди еще не познали стыда. Артемида коронована серпом луны, так как помимо покровительства охоте, плодородию, женскому здоровью и целомудренности считалась ее богиней. Живописец работает в очень лаконичной манере, использует ограниченное количество тонов коричневого. Этот цвет еще больше усиливает нереальность изображенных героинь: кажется, что они находятся в каком-то особом, недоступном человеку мире.
Йоаким Сковгаард — видный датский художник-символист, который прославился своими впечатляющими картинами и фресками на религиозные темы.
Работа, безусловно, поражает размерами, это было нужно живописцу, чтобы отобразить одно из самых светлых и одновременно драматических событий в новозаветной истории — Вознесение Христа и Сошествие во Ад. Верующий, очень религиозный, Сковгаард воспринимал данное произведение как следование своему долгу, считал, что оно должно служить Богу и Его целям на земле. Отечественные любители и знатоки искусства, конечно, вспомнят русского художника Александра Иванова, который двадцать лет писал холст «Явление Христа народу» как картину, при взгляде на которую люди перестанут грешить и обратятся к Богу (1837–1857, Государственная Третьяковская галерея, Москва). И Сковгаард мечтал, что души зрителей обновятся, когда они увидят его монументальное полотно. Сцена показывает воскресшего Христа, который спустился в ад, чтобы простить всех грешников. Это момент наивысшего могущества и всепрощающей доброты Спасителя. Первыми к Нему подходят Адам и Ева, которые тысячи лет дожидались Иисуса. За ними — сонмы безымянных и безликих грешников, в отчаянной надежде тянущих к Нему руки. Мессия попирает Смерть в виде черепа и змеи. Христос в отличие от ивановского образа, наделенного добротой и кротостью, представлен как титанической мощи Спаситель, который буквально сокрушает грехи человечества.
Вся работа пронизана энергетикой, художник не скупится на изображение лучей света и силы, идущей от Иисуса. Он использует типичные для символизма «мистические» цвета: светло-голубой и розовый. Общая палитра картины близка норвежскому лидеру символического экспрессионизма Эдварду Мунку.
Педер Северин Крёйер — знаменитый норвежско-датский художник, ставший певцом Скагена, рыбацкой деревни в Ютландии. Там он нашел все, что было нужно: нетронутые, величественные пейзажи суровой природы севера, традиционный быт рыбаков, простых крестьян. Живописец выработал собственную манеру, взяв за основу реализм, усложнив его импрессионизмом.
В этой работе, как и в серии других произведений на темы моря и предвечернего, ночного света, присутствуют также черты символизма. Всему «виной» особое, мистическое мерцание голубого и розового, которые были популярны у художников этого направления в конце XIX века. Композиция картины очень крепкая, она строится на нескольких диагоналях. Фигуры мальчиков связываются с парусником в море справа налево. Эту линию пересекает край берега, уходящий слева направо. Еще одной силовой доминантой служит вертикаль от луны до героя на переднем плане. Работа очень простая по сюжету, однако атмосфера ночного купания в море, таинственный лунный свет, обобщенные до типа фигуры придают ей особый экзистенциальный смысл. Крёйер представил свое полотно на знаменитой Всемирной выставке в Париже в 1900. Мальчики символизировали начало жизни, обновление, а голубой цвет — надежду. Это было особенно актуально для мастера, так как всю жизнь он страдал затяжными приступами черной меланхолии.
Петер Хансен — датский художник-реалист, который испытал большое влияние импрессионизма. Эту манеру он переработал под себя, создав запоминающуюся цветовую гамму. Наряду с Йоханнесом Ларсеном и Фрицом Сибергом живописец известен как один из самых ярких фюненских художников, мастеров, работавших на острове Фюн, знаменитом своими характерными северными пейзажами.
Хансен строит композицию так, что большую роль в выразительности картины играют цвета. В представленном, одном из самых известных полотен мастера, зритель видит три основных оттенка. Синий, красный и зеленый накладываются на холст в необычных сочетаниях, которые словно придают фигурам и предметам особую объемность. При этом бежевая охристая гамма с жесткими по тону акцентами красного и синего создают ощущение лиц-масок, условности происходящего. Такая отстраненность от натуралистической гаммы производит интересный эффект. Дети живо и непосредственно играют на городской площади (живописец рисует будто случайный фрагмент), а краски делают сцену монументальным полотном с изображением обобщенных городских и социальных типов. Динамика сцены усилена обрезанной композицией, которая напоминает скорее фотографический снимок. Этот прием стал популярен еще со времен французских импрессионистов и быстро приобрел популярность у художников-новаторов Европы и Америки.
