Гид по мобильной фотографии - [2]
Для хорошего кадра только лишь определиться с точкой съемки будет недостаточно. Нужно знать правило композиции, которое должно подходить под сюжет и локацию фотографии.
Правило композиции и правило ритма
Однажды выбор точки съемки натолкнул меня на поиски композиции. Я нашел ее, гуляя по улицам города, когда решил поснимать проезжающие мимо автомобили. Меня так вдохновила разметка. И тут я подумал: а какое правило композиции можно было бы применить тут?
Правило композиции, которое подходило для этой фотографии, это ритм. Теперь нашей задачей будет понять, как данное правило применяется в разных жанрах. Для начала расскажу, как определить ритм в фотографии, как в профессиональной, так и в любительской.
Ритм в фотографии – это равномерное повторение одинаковых по форме объектов, подразумевающих чередование с определенным интервалом. Фотография с ритмом будто звучит. Выразительность и теплоту на этом снимке передают желтые такси. Если рассматривать правило подробнее, то можно заметить чередование предметов и событий повсюду. Ритм можно встретить не только на улице, но и дома, или на отдыхе. Обращайте внимание на формы объектов и их расстояние. Здесь главное, чтобы интервал между ними был одинаковым.
Правило не ограничивает вас количеством объектов. Их может быть столько, сколько вы захотите. Берите в руки телефон и отправляйтесь на поиски «того самого» кадра.
Использование ритма дает возможность внести в снимок ясность и гармонию, что заставляет зрителя видеть в снимке взято ракурса снимающим.
Поиски нужного кадра могут вас натолкнуть на интересные объекты, снятые в сумерках. А если к снимку добавить отражение, результат вас восхитит. На этой фотографии теплые оттенки в нижней части кадра создают вечернюю атмосферу, которая хорошо гармонирует с холодным синим небом. Капли дождя передают погоду, а отражение усиливает правило композиции.
Гуляя по улице, вы можете рассмотреть отражение в витринах, зеркалах, автомобиле и воде. Ритм создает ощущение организованности пространства, лаконичности и ясности формы. Попробуйте! Неординарный подход может быть не только у профессионального фотографа, но и у новичка-любителя, который снимает на обычный смартфон.
Выбор расположения объекта / правило расположения
Зачастую фотографии на телефон приходится делать быстро. В такие ситуации сложно руководствоваться знанием композиции.
Что делать, если вы находитесь в супермаркете или бутике? Рассмотрим именно такой пример. Что делать, если вам нужно передать интерьер магазина и ассортимент в одном кадре?
На этом снимке я постарался выбрать главный объект: ими стали манекены, на которых надеты футболка и кофта. На них делается точка фокусировки. Здесь было важно определиться, на каком объекте будет располагаться резкость, чтобы зритель мог увидеть, на чем я хотел сделать акцент.
Далее примерно 75 % кадра занимает пространство, которое просто создает атмосферу и передает насыщенный ассортимент и яркий интерьер.
Главный объект может занимать большую часть кадра.
Все зависит от того, на чем вы хотите сконцентрировать внимание зрителя. На этом снимке нет людей, что лишает его динамичности, но в тоже время делает его спокойным и аккуратным.
В фотографии должна быть не только гармония, но может быть динамика и хаос. Опирайтесь на место, в котором находитесь и объекты, что заполняют кадр. В этом примере наглядно показано, как акценты распределяются не только на одежде, но и интерьере.
Средства выразительности / правило цвета
Цвет является неотъемлемой частью любой фотографии. И вы с помощью телефона можете с легкостью его отобразить. Но цвет в фотографии может расставлять как «правильные», так и «не правильные» акценты в кадре. Если объект яркий, он будет привлекать внимание зрителя. И от вас зависит то, как вы «обыграете» этот момент.
Я часто встречаю хорошие снимки, где внимание бросается на насыщенные участки позади снимаемого объекта. Но выглядят они несбалансированно. Чтобы не испортить кадр, нужно знать одно правило.
Преобладающий цвет должен быть как бы связан с главным объектом в кадре. Если главный цвет не является центральным в композиции, нужно, чтобы он помогал выделиться главному объекту съемки. Такой способ отлично сработал на этой фотографии.
Лучше всего, когда несколько цветов связаны в одно целое. В нашем случае акцент сделан в центральной части кадра за счет яркого солнца, которое уходит за горизонт.
Теплые лучи создают мягкий и в то же время насыщенный цвет. Это помогает увести фокус внимания в центральную часть кадра и сделать снимок интересным. А размещенный объект в центре делает снимок сбалансированным.
Это простое правило можно использовать не только в путешествии, но и в повседневной жизни.
Сделать снимок еще лучше помогут яркие объекты.
Посмотрите, как белый цвет привлекает внимание к этой фотографии. Он помогает сконцентрировать взгляд на передней части кадра. Лебеди на более глубоком фоне смотрятся ярче. Поэтому при компоновке снимка было важно сделать так, чтобы белый лебедь подплыл как можно ближе. Яркие объекты на темном фоне смотрятся выразительнее.
Группа «Митьки» — важная и до сих пор недостаточно изученная страница из бурной истории русского нонконформистского искусства 1980-х. В своих сатирических стихах и прозе, поп-музыке, кино и перформансе «Митьки» сформировали политически поливалентное диссидентское искусство, близкое к европейскому авангарду и американской контркультуре. Без митьковского опыта не было бы современного российского протестного акционизма — вплоть до акций Петра Павленского и «Pussy Riot». Автор книги опирается не только на литературу, публицистику и искусствоведческие работы, но и на собственные обширные интервью с «митьками» (Дмитрий Шагин, Владимир Шинкарёв, Ольга и Александр Флоренские, Виктор Тихомиров и другие), затрагивающие проблемы государственного авторитаризма, милитаризма и социальных ограничений с брежневских времен до наших дней. Александр Михаилович — почетный профессор компаративистики и русистики в Университете Хофстра и приглашенный профессор литературы в Беннингтонском колледже. Publisher’s edition of The Mitki and the Art of Post Modern Protest in Russia by Alexandar Mihailovic is published by arrangement with the University of Wisconsin Press.
Первая книга художницы Натальи Александровны Касаткиной (1932–2012), которая находилась – благодаря семье, в которой родилась, обаянию личности, профессионализму – всегда в «нужном месте», в творческом котле. (Круг её общения – Анатолий Зверев, Игорь Шелковский, Владимир Слепян, Юрий Злотников, Эдуард Штейнберг, Леонид Енгибаров, Ирина Ватагина…) Так в 1956 г. она оказалась на встрече с Давидом Бурлюком в гостинице «Москва» (вместе с И. Шелковским и В. Слепяном). После участия в 1957 г. в молодёжной выставке попала на первую полосу культового французского еженедельника Les Lettres Francaises – её работа была среди тех, которые понравились Луи Арагону.
«Пятого марта в Академии художеств открылась вторая выставка «Общества выставок художественных произведений». С грустными размышлениями поднимался я по гранитным ступеням нашего храма «свободных искусств». Когда-то, вспомнилось мне, здесь, в этих стенах, соединялись все художественные русские силы; здесь, наряду с произведениями маститых профессоров, стояли первые опыты теперешней русской школы: гг. Ге, Крамского, Маковских, Якоби, Шишкина… Здесь можно было шаг за шагом проследить всю летопись нашего искусства, а теперь! Раздвоение, вражда!..».
Книга известного арт-критика и куратора Виктора Мизиано представляет собой первую на русском языке попытку теоретического описания кураторской практики. Появление последней в конце 1960-х – начале 1970-х годов автор связывает с переходом от индустриального к постиндустриальному (нематериальному) производству. Деятельность куратора рассматривается в книге в контексте системы искусства, а также через отношение глобальных и локальных художественных процессов. Автор исследует внутреннюю природу кураторства, присущие ему язык и этику.
Книга И. Аронова посвящена до сих пор малоизученному раннему периоду жизни творчества Василия Кандинского (1866–1944). В течение этого периода, верхней границей которого является 1907 г., художник, переработав многие явления русской и западноевропейской культур, сформировал собственный мифотворческий символизм. Жажда духовного привела его к великому перевороту в искусстве – созданию абстрактной живописи. Опираясь на многие архивные материалы, частью еще не опубликованные, и на комплексное изучение историко-культурных и социальных реалий того времени, автор ставит своей целью приблизиться, насколько возможно избегая субъективного или тенденциозного толкования, к пониманию скрытых смыслов образов мастера.Игорь Аронов, окончивший Петербургскую Академию художеств и защитивший докторскую диссертацию в Еврейском университете в Иерусалиме, преподает в Академии искусств Бецалель в Иерусалиме и в Тель-Авивском университете.
В книге рассказывается история главного героя, который сталкивается с различными проблемами и препятствиями на протяжении всего своего путешествия. По пути он встречает множество второстепенных персонажей, которые играют важные роли в истории. Благодаря опыту главного героя книга исследует такие темы, как любовь, потеря, надежда и стойкость. По мере того, как главный герой преодолевает свои трудности, он усваивает ценные уроки жизни и растет как личность.
«Фотография – это ложь. Подумайте сами: фотографы создают двухмерные, зачастую напрочь лишенные цвета изображения и надеются, что все поверят, будто всё так и было на самом деле. Удивительнее всего то, что люди клюют на это с необычайной легкостью, словно желая быть обманутыми. Более того, они упорно верят, что сфотографировать можно только то, что на самом деле находится перед глазами. Зритель – ленивый эгоцентрист, не желающий тратить ни одной лишней секунды на то, что ему кажется неинтересным и недостаточно простым для понимания.